Expo Hoofdexpo

Obi Okigbo

Planting new Mbari’s

Data

vr 3.09 - zo 3.10.21

Locatie

Passage Cc Strombeek
Gemeenteplein 1
1853 Strombeek-Bever

In september brengt CC Strombeek 3 tentoonstellingen rond tekenkunst. De kunstenaars An Roovers, Obi Okigbo en Nel Maertens geven elk op een geheel eigen manier vorm aan het medium. De tentoonstellingen worden gebracht in het kader van de Brussels Drawing Week (14 -19 september), waarbij zo’n 40 culturele instellingen in en rond Brussel hedendaagse tekenkunst in de kijker zetten.

De in Brussel gevestigde Obi Okigbo (1964, Ibadan, Nigeria) definieert haar werk als een autobiografisch zelfonderzoek verankerd in haar meervoudige identiteit. Ze vindt inspiratie in alle aspecten van het leven –geloof, gedrag, culturele en esthetische waarden behoren tot haar rijke referentiekader. CC Strombeek presenteert een greep uit Okigbo’s verborgen universum: een selectie van tekeningen met Indiase inkt, olieverfschilderijen en collages worden voor het eerst in België getoond.

I became increasingly fascinated by our belief systems – the art and architecture left behind as silent witnesses of humanity’s aspirations. My horizons widened as I became acquainted with Mbari art and ideology in Owerri, Igbo-Ukwu sculpture, the poetry of Hafez & Rumi (from the 13th century), the writings of Joseph Campbell, Coptic art, ancient Khemet philosophy, Gilgamesh, the Mahabharata, and Yoruba art. All these left indelible imprints on my world of imagination (…)
– Obi Okigbo

Een interview tussen Obi Okigbo en Charlotte Crevits

Je hebt een achtergrond in architectuur. Je studeerde aan de Oxford Brooks University, gevolgd door een postgraduaat aan de Architecture Association in Londen. Is deze opleiding - met een focus op ruimtelijkheid - terug te vinden in je werk als beeldend kunstenaar?

Mijn opleiding in architectuur vormt de basis van mijn artistieke praktijk. Mijn eerste stap in de kunst, getiteld Casa Dolce Casa (gemaakt voor een groepstentoonstelling in 2001), was een 'deconstructie' van tekeningen uit mijn masterscriptie aan de Architecture Association-school voor architectuur. De bewerkte collages zijn als archeologische kaarten die door hun lagen heen het verstrijken van de tijd, beweging, sporen en indrukken onthullen. Deze techniek van lagen aanbrengen herhaalt zich doorheen heel mijn praktijk. Voortbouwend op dit fundamenteel architectonische begrip van de wereld, evolueerde ik naar een meer conceptuele manier van expressie via schilderen en schrijven.

In je werk zijn het vertellen van verhalen en het overbrengen van narratieven heel belangrijk. Bij het beschrijven van je werk gebruik je vaak begrippen als transcendentie, genezing en collectief geheugen. Je verwijst vaak naar de tradities en mythologie van de Igbo, je Nigeriaanse voorouders.
In 2005 richtte je de Christopher Okigbo Foundation op, met als doel de nalatenschap van je vader te onderzoeken en in stand te houden. Christopher Okigbo (1932 - 1967), die stierf in de strijd voor de onafhankelijkheid van Biafra, wordt vandaag erkend als een van de belangrijkste Afrikaanse modernistische schrijvers van de 20e eeuw. Kan je toelichten hoe deze uitzonderlijke erfenis je heeft beïnvloed?

Mijn fascinatie voor het vertellen van verhalen gaat terug tot het begin van mijn carrière als kunstenaar in 2002, toen ik begon aan een reeks olieverfschilderijen in dialoog met de poëzie van mijn vader Christopher Okigbo, een cruciale periode die de thema's van mijn huidige werk heeft gevormd. Zijn poëzie, geworteld in zowel zijn katholieke als lgbo achtergrond, wekte mijn diepgewortelde liefde voor fabels en epische verhalen opnieuw tot leven. Ik werd steeds meer aangetrokken tot de verhalen achter geloofssystemen, stille getuigen van de aspiraties van de mensheid. Deze passie heeft zich ontwikkeld tot een proces van het naast elkaar plaatsen van 'archetypen' uit diverse culturen en tijdperken en mijn eigen persoonlijke ervaringen, waarbij ik nieuwe verhalen creëer op basis van het alleroudste verhaal - de eeuwige cyclus van geboorte, dood en regeneratie.

In de tentoonstelling zijn ook verschillende tekeningen en schetsen te zien die deel uitmaken van een lopend en zeer bijzonder project: een levensgrote herinterpretatie van het beroemde Lam Gods van de gebroeders Van Eyck. In totaal hebt je al 300 portretten van verschillende personages gemaakt, die samen 3000 jaar Afrikaanse geschiedenis omspannen. Kan je de noodzaak voor de creatie van dit kunstwerk toelichten?

Na de oprichting van de stichting ben ik mij meer bewust geworden van het belang van het herdenken en beschermen van het intellectuele erfgoed van de Afrikaanse geschiedenis; iedereen heeft iemand nodig om naar op te kijken. Wie zijn onze helden? De enorme onwaarheden en leemten in de geschiedenis van het Afrikaanse continent hebben mij bewust gemaakt van de dringende noodzaak om onze eigen verhalen te verzamelen, te archiveren en te vertellen. Als kunstenaar voel ik een diepgewortelde verantwoordelijkheid om deze erfenis door te geven aan de volgende generatie. In 2008 ben ik begonnen met een reeks portretten in Oost-Indische inkt van persoonlijkheden (filosofen, dichters, koningen, koninginnen, musici, astronomen, heiligen...) als een getuigenis van dit nieuwe en dynamische repertoire. Deze opzet mondde uiteindelijk uit in Het Lam Gods: een herinterpretatie van het "Gentse altaarstuk" van Jan en Hubert Van Eyck.

Ik heb al van bij mijn aankomst in België in 1994 bewondering gehad voor de vroege Vlaamse Primitieven. Omdat ik nooit formeel heb leren schilderen, heb ik mij als een leerling tot diezelfde meesters gewend voor alles wat ik over het vak weet (techniek, compositie, licht, schaduw, perfectie). Net als het oorspronkelijke altaarstuk is dit werk opgevat als een offergave, een werk van devotie gewijd aan "hen die de weg hebben gebaand" zodat wij zouden kunnen schitteren.

Veel van je werk is autobiografisch, verankerd in je meervoudige identiteit als Afrikaanse /Nigeriaanse /Igbo /Igbirra /Britse /Belgische vrouw. Deze naar binnen gerichte blik komt vaak tot uiting in de vorm van de vrouwelijke figuur. In je tentoonstelling in CC Strombeek staat een vroeg zelfportret, Narcissus (2008) centraal. Heeft je werk ook een feministische dimensie?

Het werk Narcissus is een symbolische voorstelling van zelfondervraging met betrekking tot deze introspectieve houding. Zoals je al aangaf, vertrekt het meeste van mijn werk vanuit een persoonlijk perspectief en de vrouwelijke figuur is bijna altijd prominent aanwezig in mijn composities.

Ik ben sinds mijn jeugd omringd geweest door krachtige vrouwen. Hun invloed heeft mijn leven en opvattingen over het leven als vrouw in de huidige maatschappij gevormd. Ik bewonder de moedige, gepassioneerde, militante spirit in vrouwen als Funmilayo Ransome-Kuti, Audre Lorde, Wangechi Mutu, Yaa Asantewaa, Seh-Dong-Hong-Beh die te zien zijn in de mood board-installatie Mystic Lamb die hier wordt tentoongesteld.

Het gebruik van Oost-Indische inkt op zowel papier als linnen is zeer kenmerkend, het verleent je werk een grote gevoeligheid, een intense zweem van broosheid en spiritualiteit. Je verwees naar de inktschilderijen van Ohwon Jang Seung-Ub (1843- 97) als een belangrijke inspiratiebron voor je manier van werken in 2008. Het gebruik van water en inkt geeft een gevoel van ongecontroleerdheid, van toeval. Kan je het belang van dit vloeibare materiaal toelichten, op welke manier genereert het betekenis/inhoud?

Tot 2008 werkte ik met olieverf en was ik meer gericht op het gebruik van kleur om bepaalde emoties op te roepen. In deze periode begon ik tai-chi, qigong en kalligrafie, die een soort van uitbreiding op "de ademhalingsoefening" vormt, te beoefenen. Als ambachtsvrouw was ik op zoek naar manieren om mijn vaardigheden aan te scherpen. Toen ik het werk van Oh-won leerde kennen, werd ik getroffen door de magie van het proces op zich, de alchemie van de onuitwisbare zwarte inkt, de penseelstreek en het water op absorberend papier, die in zijn werk tot uiting komt. Elk teken is permanent, opzettelijk. Dit vereist uitzonderlijke concentratie. In combinatie met de aleatorische reactie van intuïtieve waterverdunningen (inktvlekken), opent deze methode oneindige mogelijkheden waardoor het schilderij een tijdloze dimensie krijgt, waarin verleden, heden en toekomst op hetzelfde vlak naast elkaar bestaan.

Je inspiratiebronnen zijn talrijk, gaande van literatuur tot muziek, oude tradities, het menszijn en ethische waarden. Je verwijst vaak naar religieuze iconografische kunst (Renaissance schilderijen, Igbo-Ukwu beeldhouwwerken, Koptische fresco's, Soefipoëzie, Khemethiërogliefen, om er maar een paar te noemen). In je schilderij Primavera - Mbari (2010) verwijs je bewust naar Botticelli's beroemde gelijknamige schilderij. Kunnen we dit beschouwen als een kritische herinterpretatie?

In de loop der jaren is mijn horizon verbreed met inzichten in de verschillende culturen die je hierboven hebt vermeld en een blijvende indruk hebben achtergelaten op mijn verbeeldingswereld. Dat is ook het geval met Sandro Botticelli's meesterwerk Primavera. Over de betekenis ervan doen verschillende theorieën de ronde, maar één gangbare interpretatie is dat het schilderij "een uitvoerige mythologische allegorie is van de ontluikende vruchtbaarheid van de wereld". Mijn onderzoek naar de kunst van de Mbari-huizen bood een gelegenheid om een dialoog tot stand te brengen tussen de klassieke mythologie en de oude Igbo-kunst, tussen meester-schilder en leerling.

In je titel verwijs je naar de Mbari-kunst en ideologie, kan je ons vertellen wat je precies op de toeschouwer wil overbrengen?

Mbari is een beeldende kunstvorm die wordt beoefend door het Owerri-Igbo-volk in het zuidoosten van Nigeria waarbij een heilig huis wordt gebouwd als boetedoeningsritueel. In deze grote open, vierkante bouwsels staan levensgrote, beschilderde, uit modder geboetseerde figuren om de Alusi (godheid), Ala, de godin van de aarde en andere godheden van de donder, het water, ambtenaren, ambachtslieden, legendarische wezens en voorouders die samen het pantheon van de Mbari-kosmologie vormen, gunstig te stemmen.

Het is vermeldenswaardig dat, hoewel het maken van Mbari-huizen jaren van vakmanschap en inspanning vergt, er na hun voltooiing een ritueel wordt uitgevoerd waarna ze aan de elementen worden overgelaten en na verloop van tijd vergaan. Na hun volledige verval wordt de volgende generatie door de godheid opgeroepen om een nieuw Mbari-huis te bouwen. Het is deze notie van rituele genezing, overdracht en transformatie die ontstaat door elke nieuwe leeftijdswisseling die ik in mijn werk heb trachten op te roepen.

Chinua Achebe, een bekende Nigeriaanse romanschrijver en literair theoreticus, schreef: "Mbari was een viering van de wereld en van het leven in de wereld door middel van kunst. Het werd verricht door de gemeenschap op bevel van haar oppergodheid, gewoonlijk de aardgodin Ala, die twee belangrijke rollen vervulde in het Igbo pantheon als bron van creativiteit in de wereld en bewaker van de morele orde in de menselijke samenleving".

Installatiebeelden door Kristien Daem.

Pers

HART magazine

En septembre, CC Strombeek présente 3 expositions sur le dessin. Les artistes An Roovers, Obi Okigbo et Nel Maertens façonnent chacun le médium à leur manière. Les expositions sont présentées dans le cadre de la Brussels Drawing Week (14 -19 septembre), au cours de laquelle une quarantaine d'institutions culturelles bruxelloises et des alentours mettent le dessin contemporain à l’honneur.

La bruxelloise Obi Okigbo (1964, Ibadan, Nigeria) définit son travail comme un exercice autobiographique ancré dans son identité multiple. Elle trouve son inspiration dans tous les aspects de la vie – les croyances, le comportement, les valeurs culturelles et esthétiques font partie de son riche cadre de référence. L'artiste a grandi entourée de l'héritage poétique de son père, le célèbre poète et intellectuel Christopher Okigbo. CC Strombeek présente une sélection de l'univers caché d'Okigbo : une sélection de dessins à l'encre de Chine, de peintures à l'huile et de collages sont présentés pour la première fois en Belgique.

Conversation entre Obi Okigbo et Charlotte Crevits

Vous avez une formation en architecture. Vous avez fait vos études à l’Oxford Brookes University, avant un troisième cycle à l’Architectural Association de Londres. Cette formation, axée sur la spatialité, trouve-t-elle un écho dans votre travail d’artiste visuelle ?

Ma formation en architecture est le fondement de ma pratique artistique. Ma première incursion dans les arts, intitulée Casa Dolce Casa (réalisée pour une exposition collective en 2001), était une « déconstruction » des dessins issus de mon mémoire de maîtrise à l’Architectural Association. Les collages retravaillés s’apparentent à des cartes archéologiques dont les couches montrent le temps qui passe, le mouvement, les traces et les empreintes. Cette technique de « superposition » est récurrente dans mon travail. C’est en m’appuyant sur cette compréhension fondamentalement architecturale du monde que j’ai commencé à me tourner vers un mode d’expression plus conceptuel à travers la peinture et l’écriture.

La narration et la transmission des récits sont essentielles dans votre travail. Vous utilisez souvent des concepts tels que la transcendance, la guérison et la mémoire collective pour décrire votre travail. Vous faites fréquemment référence aux traditions et à la mythologie des Igbo, vos ancêtres nigérians. En 2005, vous avez créé la Christopher Okigbo Foundation, chargée d’étudier et de préserver l’héritage de votre père. Christopher Okigbo (1932-1967), mort en luttant pour l’indépendance du Biafra, est aujourd’hui reconnu comme l’un des plus grands écrivains modernistes africains du XXe siècle. Quel impact cet héritage exceptionnel a-t-il eu sur vous ?

Ma fascination pour la narration remonte au début de ma carrière d’artiste, en 2002, lorsque j’ai entrepris de travailler sur une série de peintures à l’huile en dialogue avec la poésie de mon père, Christopher Okigbo. Ce passage a jeté les bases et a défini les thèmes de mon travail actuel. Sa poésie, imprégnée de son héritage igbo et catholique, a ravivé mon amour profond pour les fables et les récits épiques. J’ai été de plus en plus attirée par les histoires qui se cachent derrière les systèmes de croyances, témoins silencieux des aspirations de l’humanité. Cette passion s’est transformée en un processus de juxtaposition d’archétypes issus de diverses cultures et époques, mes expériences personnelles tissant de nouveaux récits basés sur le plus ancien de tous : le cycle éternel de la naissance, de la mort et de la résurrection.

L’exposition comprend également plusieurs dessins et croquis qui font partie d’un projet très spécial actuellement en cours : une réinterprétation grandeur nature du célèbre Agneau mystique des frères Van Eyck. Au total, vous avez déjà réalisé 300 portraits de protagonistes couvrant 3 000 ans d’histoire (et d’Histoire) africaine. Pouvez-vous expliquer l’urgence de la création de cette œuvre ?

Après avoir créé la fondation, j’ai pris conscience de l’importance de célébrer et de sauvegarder le patrimoine intellectuel relatif à l’histoire de l’Afrique : tout le monde a besoin de quelqu’un à qui s’identifier. Qui sont nos héros ? Les énormes contre-vérités et omissions dans l’histoire du continent africain m’ont fait prendre conscience de l’urgence de collecter, d’archiver et de raconter nos propres histoires. En tant qu’artiste, je ressens au plus profond de moi la responsabilité de transmettre cet héritage à la génération suivante. En 2008, j’ai commencé une série de portraits d’icônes (philosophes, poètes, rois, reines, musiciens, astronomes, saints...) à l’encre de Chine, en guise de témoignage de ce répertoire nouveau et dynamique. Cette démarche a débouché sur Mystic Lamb : une réinterprétation de l’Agneau mystique de Jan et Hubert Van Eyck.

Depuis mon arrivée en Belgique en 1994, j’ai toujours été en admiration devant les premiers primitifs flamands. N’ayant jamais appris officiellement la peinture, mon approche a été celle d’une apprentie qui se tourne vers ces mêmes maîtres pour apprendre tout ce que je sais du métier (technique, composition, lumière, ombre, perfection). À l’instar de l’Agneau mystique original, cette œuvre est perçue comme une offrande, une œuvre de dévotion dédiée à « ceux qui ont ouvert la voie » pour que nous puissions briller.

Une grande partie de votre travail est autobiographique, greffée sur votre identité multiple de femme africaine/nigériane/igbo/ebira/britannique/belge. Cette contemplation intérieure se manifeste souvent sous la forme de la figure féminine. Un autoportrait de jeunesse, Narcissus (2008), occupe une place prépondérante dans votre exposition au centre culturel de Strombeek. Votre travail comporte-t-il également une dimension féministe?

L’œuvre Narcissus est une représentation symbolique de l’auto-interrogation vis-à-vis de cette position d’introspection. Comme vous l’avez mentionné, la plupart de mes œuvres revêtent une dimension personnelle et la figure féminine est presque toujours prédominante dans mes compositions.

J’ai été entourée de femmes formidables dès l’enfance. Leur influence a façonné ma vie et ma vision de la vie en tant que femme dans la société actuelle. J’admire l’esprit courageux, passionné et militant de femmes telles que Funmilayo Ransome-Kuti, Audre Lorde, Wangechi Mutu, Yaa Asantewaa, Seh-Dong-Hong-Beh, présentées dans l’installation Mystic Lamb exposée ici.

L’utilisation de l’encre de Chine sur le papier et le lin est très typique. Elle imprègne votre travail d’une grande sensibilité, d’une forme intense de fragilité et de spiritualité. En 2008, vous avez déclaré que les peintures à l’encre d’Ohwon Jang Seung-Ub (1843-97) vous servaient de précieuse source d’inspiration. L’utilisation de l’eau et de l’encre génère une forte impression de non-contrôle, de hasard. Pouvez-vous expliquer l’importance de cette matière liquide ? En quoi crée-t-elle du sens/contenu ?

Jusqu’en 2008, je travaillais la peinture à l’huile et je me concentrais davantage sur l’utilisation de la couleur pour évoquer certaines émotions. À cette époque, j’ai commencé à pratiquer le tai-chi, le qi gong et la calligraphie, une extension de l’exercice de respiration. En tant qu’artisane, je cherchais des moyens de perfectionner mon savoir-faire. Lorsque j’ai découvert le travail d’Oh-won, j’ai été frappée par la magie du processus proprement dit ; l’alchimie de l’encre noire indélébile, du coup de pinceau et de l’eau sur le papier absorbant qui prenait forme dans son œuvre. Chaque marque est permanente, intentionnelle, ce qui requiert une concentration singulière. Combinée à la réaction aléatoire produite par les dilutions intuitives de l’eau (taches d’encre), cette méthode offre une infinité de possibilités qui confèrent à la peinture une dimension intemporelle, où le passé, le présent et le futur coexistent sur un même plan.

Vos sources d’inspiration sont riches, allant de la littérature à la musique, en passant par les traditions anciennes, l’humanité et les valeurs éthiques. Vous faites souvent référence à l’art iconographique religieux (peintures de la Renaissance, sculptures igbo-ukwu, fresques coptes, poésie soufie, hiéroglyphes Kemet, pour n’en citer que quelques exemples). Dans votre tableau Primavera - Mbari (2010), vous faites délibérément référence au célèbre tableau Le Printemps de Botticelli. Peut-on y voir une réinterprétation critique ?

Au fil du temps, mes horizons se sont élargis et j’ai découvert les différentes cultures que vous avez mentionnées. Elles ont laissé une impression durable dans mon imaginaire. C’est le cas du chef-d’œuvre Le Printemps de Sandro Botticelli. Sa signification a fait l’objet de multiples théories, mais une interprétation commune considère le tableau comme « une allégorie mythologique élaborée de la fertilité naissante du monde ». Mes recherches sur l’art des maisons Mbari m’ont permis d’instaurer un dialogue entre la mythologie classique et l’art igbo ancien, entre le maître et l’apprentie.

Dans votre titre, vous faites référence à l’art et à l’idéologie du Mbari. Que cherchez-vous à transmettre au spectateur ?

Le Mbari est une forme d’art visuel pratiquée par le peuple owerri-igbo, dans le sud-est du Nigeria. Il s’agit d’une maison sacrée construite dans le cadre d’un rite propitiatoire. Ces grands abris carrés à plan ouvert contiennent des figures peintes en grandeur nature, sculptées dans la boue afin d’apaiser les Alusi (divinités) et Ala, la déesse de la Terre, ainsi que d’autres divinités du tonnerre et de l’eau, des fonctionnaires, des artisans, des créatures légendaires et des ancêtres qui composent le panthéon de la cosmologie igbo.

Bien que la fabrication des maisons Mbari ait nécessité des années de savoir-faire et d’efforts, une fois la maison terminée, un rituel y était accompli, puis la maison était laissée à l’abandon et se décomposait dans les éléments au fil du temps. Après sa disparition complète, la génération suivante était appelée par la divinité à ériger une nouvelle maison Mbari. C’est cette notion de guérison rituelle, de transmission et de transformation par chaque nouveau « passage initiatique » que j’ai tenté d’évoquer dans mon travail.

Chinua Achebe, célèbre romancier et théoricien de la littérature nigérian : « Le Mbari célébrait, à travers l’art, le monde et la vie qu’il abrite. Il était exécuté par la communauté sur ordre de la divinité dominante, généralement la déesse de la Terre, Ala, qui combinait deux rôles formidables au panthéon igbo : source de créativité dans le monde et gardienne de l’ordre moral dans la société humaine. »

Images © Kristien Daem

Presse

HART magazine

In September, CC Strombeek presents 3 exhibitions on drawing. The artists An Roovers, Obi Okigbo and Nel Maertens each shape the medium in their own way. The exhibitions are presented as part of the Brussels Drawing Week (14 -19 September), in which about 40 cultural institutions in and around Brussels put contemporary drawing in the spotlight.

Brussels-based Obi Okigbo (1964, Ibadan, Nigeria) defines her work as an autobiographical self-examination anchored in her multiple identity. She finds inspiration in all aspects of life – faith, behaviour, cultural and aesthetic values are among her rich frame of reference. The artist grew up surrounded by the poetic legacy of her father, the famous poet and intellectual Christopher Okigbo. CC Strombeek presents a selection from Okigbo's hidden universe: a selection of drawings with Indian ink, oil paintings and collages are shown for the first time in Belgium.

A conversation between Obi Okigbo and Charlotte Crevits

You have a background in architecture. You were educated at Oxford Brooks University, followed by a Postgraduate at the Architecture Association in London. Is this training – with a focus on spatiality – reflected in your work as a visual artist?

My training in architecture is the foundation of my artistic practice. My first foray into the arts, titled Casa Dolce Casa (produced for a group exhibition in 2001), was a ‘deconstruction’ of drawings from my master’s thesis at the AA school of architecture. The reworked collages are like archaeological maps revealing through their layers the passage of time, movement, traces, and imprints. This ‘layering’ technique recurs throughout my practice. Building upon this fundamentally architectonic understanding of the world, I started making the shift towards a more conceptual means of expression through painting and writing.

In your work, storytelling and the transmission of narratives are very crucial. In describing your work, you often use concepts such as transcendence, healing, and collective memory. You frequently refer to the traditions and mythology of the Igbo, your Nigerian ancestors.
In 2005, you initiated the Christopher Okigbo Foundation, tasked with researching and preserving the legacy of your father. Christopher Okigbo (1932 – 1967) who died fighting for the independence of Biafra, is recognised today as one of the major African modernist writers of the 20th century. Can you explain how this exceptional legacy has affected you?

My fascination with storytelling goes back to the beginning of my career as an artist in 2002, when I embarked on a journey to work on a series of oil paintings in conversation with the poetry of my father Christopher Okigbo, a seminal passage that planted the themes for my work today. His poetry, steeped in his Igbo and Catholic heritage revived my deep-seated love for fables and epic tales. I became increasingly drawn to the stories behind belief systems, silent witnesses of humanity’s aspirations. This passion has evolved into a process of juxtaposing ‘archetypes’ from diverse cultures and epochs with my own personal experiences, weaving new narratives based on the most ancient of all – the eternal cycle of birth, death and regeneration.

In the exhibition, there are also several drawings and sketches that form part of a very special and ongoing project: a life-size reinterpretation of the famous Ghent Altarpiece by the Van Eyck brothers. In total, you have already produced 300 portraits of protagonists, spanning 3000 years of African (hi)story. Can you explain the urgency for the creation of this artwork?

Having established the foundation, I became more aware of the importance of celebrating and safeguarding intellectual heritage regarding the African history; everyone needs someone to look up to. Who are our heroes? The huge un-truths and omissions in the history of the African continent awakened me to the urgency of collecting, archiving, and narrating our own stories. As an artist, I feel a deep-seated responsibility to pass on this legacy to the next generation. In 2008, I started a series of Indian ink portraits of icons (philosophers, poets, kings, queens, musicians, astronomers, saints…) as testimony to this new and dynamic repertoire. This enterprise eventually evolved into Mystic Lamb: a re-interpretation of the “Ghent Altar-piece” by Jan and Hubert Van Eyck.

I’ve always been in awe of the early Flemish Primitives since I arrived in Belgium in 1994. Having never formally learnt painting, my approach has been that of an apprentice turning to these same masters for everything I know about the craft (technique, composition, light, shadow, perfection). Like the original Altarpiece, this body of work is perceived as an offering, a work of devotion dedicated to “those who have paved the way” so that we may shine.

Much of your work is autobiographical, anchored in your mixed identity as an African /Nigerian /Igbo /Igbirra /British /Belgian woman. This inward gaze is often manifested in the form of the female figure. In your exhibition at CC Strombeek, an early self-portrait, Narcissus (2008) takes a central place. Does your work also have a feminist dimension?

The work Narcissus is a symbolic representation of self-interrogation regarding this stance of introspection. Like you mentioned, most of my work is from a personal perspective and the female figure is almost always predominant in my compositions. I’ve been surrounded by formidable women since childhood. Their influence has shaped my life and views about living as a woman in society today. I admire the courageous, passionate, militant spirit in women such as Funmilayo Ransome-Kuti, Audre Lorde, Wangechi Mutu, Yaa Asantewaa, Seh-Dong-Hong-Beh featured in the Mystic Lamb mood board installation exhibited here.

The use of Indian ink on both paper and linen is very typical, it imbues your work with great sensitivity, an intense flavour of fragility and spirituality. You mentioned the ink paintings by Ohwon Jang Seung-Ub (1843- 97) as a great source of inspiration for your way of working in 2008. The use of water and ink brings about a sense of non-control, of chance. Can you explain the importance of this liquid material, in what way does it generate meaning/content?

Up until 2008, I was working with oil paint and more focused on the use of colour to evoke certain emotions. During this period, I started practicing tai-chi, qigong and calligraphy which is an extension of the “breathing exercise.”. As a craftswoman, I had been looking for ways to hone my skill. When I came across the work of Oh-won, I was struck by the magic of the actual process, the alchemy of indelible black ink, the brush stroke and water on absorbing paper that was incarnated in his work. Every mark is permanent, intentional. This requires singular concentration. Combined with the aleatory reaction by intuitive water dilutions (ink stains), this method opens infinite possibilities giving the painting a timeless dimension, where past present and future coexist on the same plane.

Your sources of inspiration are rich, ranging from literature to music, ancient traditions, humanity, and ethical values. You often refer to religious iconographic art (Renaissance paintings, Igbo-Ukwu sculptures, Coptic frescos, Sufi poetry, Khemet hieroglyphs, to name but a few). In your painting Primavera - Mbari (2010), you consciously refer to Botticelli's famous eponymous painting. Can we consider this as a critical re-interpretation?

Over the years, my horizons have widened with insights into the different cultures you mentioned above that have left a lasting impression on my world of imagination. Such is the case with ‘Sandro Botticelli’s masterpiece Primavera. Several theories abound about its meaning, but one common interpretation is that the painting is "an elaborate mythological allegory of the burgeoning fertility of the world.” My research into the art of Mbari houses presented an opportunity to generate a dialogue between classic mythology and ancient Igbo art, between master-painter and apprentice.

In your title, you refer to the art and ideology of Mbari, can you tell us what exactly you want to convey to the viewer?

Mbari is a visual art form practiced by the Owerri-Igbo people in southeast Nigeria consisting of a sacred house constructed as a propitiatory rite. These large opened-sided square planned shelters contain life-sized painted figures sculpted in mud, to appease the Alusi (deity), Ala, the earth goddess and other deities of thunder, water, officials, craftsmen, legendary creatures and ancestors that make up the pantheon of Mbari cosmology.

It is interesting to note that although Mbari houses took years of skill and effort to make, yet when completed, a ritual was performed and it was left to and decay in the elements with the passing of time. After its complete demise, the next generation was called upon by the Deity to erect a new Mbari house. It is this notion of ritual healing, transmission, and transformation by each new ‘coming of age’ that I have tried to evoke in my work.

Chinua Achebe, a renowned Nigerian novelist and literary theorist, said "Mbari was a celebration through art of the world and of life lived in it. It was performed by the community on command by its presiding deity, usually the Earth goddess, Ala, who combined two formidable roles in the Igbo pantheon as fountain of creativity in the world and custodian of the moral order in human society".